Foi assim com pessoas como Phil Spector, Lee Hazlewood, Jack Nitzsche ou Leiber & Stoller. Na verdade, foi Brian Wilson dos Beach Boys, grande fã de Spector, o primeiro a perceber que para conseguir o controle definitivo sobre sua música ele também precisava sentar-se atrás da mesa de mixagem, embora seu trabalho se concentrasse principalmente em seu próprios álbuns. . Claro que desde então foram muitos os músicos que decidiram tentar a sorte como produtores e ajudar outros colegas; estes são alguns dos melhores exemplos disso. Existem muitos mais, mas esta é a nossa seleção.
Lou Reed – “Transformer” (1972; David Bowie e Mick Ronson)
David Bowie estava se tornando uma estrela graças a Ziggy Stardust, então ele não hesitou em usar sua fama recém-adquirida para contatar um de seus ídolos e se oferecer para visitar a Inglaterra e produzir um álbum. Foi Lou Reed , que havia deixado o The Velvet Underground alguns anos antes e lançado seu primeiro álbum solo com tão pouco sucesso que nem mesmo Bowie, um de seus maiores fãs, descobriu sua existência. Reed aceitou, vendo uma oportunidade em tudo isso e intrigado com aquele inglês excêntrico. Bowie se lançou ao recorde e trouxe consigo seu braço direito na época, o essencial Mick Ronson, que serviu como capitão dos Aranhas de Marte. A importância do guitarrista seria fundamental, atuando como coprodutor, junto com o próprio Bowie, além de arranjador e músico principal de “Transformer” (tocando violão, piano, além de fazer diversos coros).
O resultado foi uma maravilha em que Bowie e Ronson forneceram o manto sonoro e Reed deu as três melhores músicas de sua carreira solo, “Walk On The Wild Side”, “Satellite Of Love” e “Perfect Day” . Bowie e Ronson responderam embelezando “Transformer” com cordas, backing vocals e até solos de saxofone até ficarem perfeitos. É o álbum com melhor sonoridade da carreira solo de Reed, embora também seja o que menos se parece com ele. Claro, basta ouvir o arranjo de cordas de Ronson para “Perfect Day” ou os incríveis tons agudos que Bowie atinge no final de “Satellite Of Love” , uma das músicas mais românticas de sua carreira, para demonstrar seu amor incondicional por dois ingleses. para o trabalho de Reed. Aliás, Bowie tinha acabado de produzir o notável “All The Young Dudes” para Mott The Hoople, a quem deu a maravilhosa canção-título, e em breve produziria o álbum de outro de seus ídolos americanos, Iggy Pop , para o qual iria produzir o lendário “Raw Power” de Iggy and the Stooges.
Elvis Costello & The Attractions – “This Year’s Model” (1978; Nick Lowe)
“This Year’s Model” foi o início da mais fecunda das colaborações de Elvis Costello , já que foi o primeiro álbum em que foi acompanhado pelos The Attractions, banda com a qual se tornaria o “Rei da New Wave”. . Mas havia também o essencial Nick Lowe , que já havia produzido a maravilhosa estreia de Costello, “My Aim Is True” . Lowe era um veterano da cena pub rock com Brinsley Schwarz e nesse mesmo ano iniciou sua carreira solo com “Jesus Of Cool”, mas também iniciou uma atraente carreira como produtor onde gravou uma das primeiras canções punk inglesas, “New Rose” de The Damned , bem como Graham Parker, Wreckless Eric, The Pretenders e Dr. Mas o seu trabalho mais atraente pode ser com Costello, com quem gravou os seus cinco primeiros álbuns fundamentais. O melhor de tudo, com a permissão do já citado “My Aim Is True”, é este álbum que demonstra seu estilo espontâneo em que houve pouquíssimos “overdubs”, buscando um som direto e borbulhante. Algo que Costello e The Attractions conseguem perfeitamente aqui, tornando-se a versão punk “new-olera” de Buddy Holly and The Crickets e entregando uma coleção de músicas desarmantes, com preciosidades como “Pump It Up”, “This Year’s Girl”, “( Eu não quero ir para) Chelsea”, “Lip Service”, “The Beat”, “No Action”, “You Belong To Me” ou “Lipstick Vogue” . Aliás, Costello também sentiria vontade de ficar atrás dos controles nos projetos alheios e entregaria excelentes trabalhos, como o primeiro de The Specials , “East Side Story” (81) de Squeeze ou o fundamental “Rum Sodomy & The Lash” (85) de The Pogues .
Talking Heads.- “Remain In Light” (1980; Brian Eno)
A combinação entre produtor criativo e artista visionário teve vários grandes exemplos ao longo da história: George Martin e os Beatles, Tony Visconti e David Bowie ou Martin Hannett e Joy Division. Mas a dupla Brian Eno e Talking Heads não pode faltar nessa lista. Eno já havia ajudado muito Bowie em sua trilogia berlinense, embora Visconti continuasse assinando como produtor, mas ao ouvir a banda de David Byrne se apaixonou imediatamente, chegando ao ponto de escrever a música “ King’s Lead’s Hat” (sigla para a banda) em sua homenagem.
A colaboração começou no segundo álbum da banda, “More Songs About Buildings And Food” (78) , mas o melhor exemplo de colaboração é o quarto, “Remain In Light” , onde o grupo decidiu experimentar sons tribais e africanos. e o produtor expandiu seu som usando loops e samples, muito antes de qualquer um desses termos ser conhecido. Que com um som tão completamente original, David Byrne conseguiu fazer com que suas letras se destacassem tanto quanto a música (como seu famoso ataque à conformidade burguesa em “Once In A Lifetime” : “E você pode se encontrar em uma bela casa, com uma mulher linda, e você pode se perguntar ‘Bom… Como cheguei aqui? Deixar os dias passarem'” ) comprova a grandeza de um álbum absolutamente referencial.
The Replacements “Tim” (1985; Tommy Erdelyi)
Os de Paul Westerberg vieram a gravar seu melhor disco até esta data, “Let It Be” (84) , e começaram pensando em gravar sua continuação com um de seus ídolos, Alex Chilton, no que posteriormente dedicariam uma de suas melhores canções à produção. Mas, no final das contas, quem sentou na cadeira de produção foi outro músico, neste caso Tommy Erdelyi, mais conhecido como Tommy Ramone, primeiro baterista dos Ramones e produtor de vários de seus álbuns, além de principal compositor de “Blitzkrieg Bop.” e “I Wanna Be Your Boyfriend” , palavras grandes, vamos lá. Em geral muitos pensam que a sonoridade deste álbum não reflete o verdadeiro som da banda, mas acho que é o melhor trabalho da carreira deles e aquele com as melhores músicas, incluindo “Kiss Me On The Bus”, ” Bastards Of Young”, “I’ll Buy”, “Swingin’ Party”, “Left Of The Dial”, “Little Mascara” ou “Here Comes A Regular” como exemplo. E acho que Erdelyi soube ver a evolução de um Paul Westeberg cada vez mais maduro como compositor. Este ano teve uma excelente revisão de Ed Stasium, colaborador de Erdelyi, que foi lançado com o nome de “Tim (Let It Bleed Edition)” , e que adicionou um som mais áspero e cru à mixagem.
XTC – “Skylarking” (1986; Todd Rundgren)
XTC era uma das bandas mais originais do “New Wave”, mas Andy Partridge e Colin Molding procuravam “Bat Out Of Hell” (77) dos Meat Loaf em seu passado. A relação entre Partridge e Rundgren foi tumultuada, para ser generosa, mas a partir do momento em que soou o início de “Summer’s Cauldron” já se percebeu que o resultado ia valer a pena, ampliando sua paleta sonora com novos instrumentos e texturas. Rundgren desempenhou um papel fundamental no design de som e na programação da bateria do álbum, fazendo cuidadosos arranjos orquestrais e emprestando ao grupo muitos equipamentos, incluindo seu SG “ The Fool” que Clapton tocou no Cream. O resultado da união foi o melhor álbum da carreira, um trabalho unificado no qual conseguiram dar vazão ao amor pela psicodelia dos anos sessenta, sem soar como uma simples homenagem ou paródia, mas sim algo próprio.
Nirvana – “In Utero” (1993; Steve Albini)
Kurt Cobain havia vendido muitos milhões de álbuns “ Nevermind ” e era o maior astro do rock de seu tempo, então decidiu ligar para Steve Albini para recuperar seu credo independente e dar uma resposta furiosa e incandescente ao sucesso que contou com o ex-Big Black como produtor, ou como ele prefere chamar, engenheiro de som. Albini foi responsável pelo som agressivo e violento de álbuns como “Surfer Rosa” (88) dos Pixies , “Pod” (90) dos The Breeders (um dos favoritos de todos os tempos de Cobain) ou “Rid Of Me” (93). ) por PJ Harvey . Nunca um álbum que vendeu quinze milhões de cópias teve um som tão visceral e cortante como “In Utero” .
Weezer – “Weezer. O Álbum Azul” – (1994; Ric Ocasek)
Weezer eram aqueles caras do cinema que acabam pegando a garota, um bando de “nerds” que adoravam Kiss e “Dungeons and Dragons” . Além disso, seu vocalista, Rivers Cuomo, não se importou em deixar claro seu amor pelo rock de estádio dos anos 70 (anátema no início dos anos 90) e bons solos de guitarra. Se acrescentarmos a isso que ele tinha um talento especial para melodias pop, poderíamos dizer que sua dupla com Ric Ocasek do The Cars como produtor foi uma combinação perfeita. No meio da solenidade, do “lo-fi”, do pessimismo do grunge e do resto do rock alternativo, se destacaram esses caras que não hesitaram em elogiar os Pixies e o Van Halen ao mesmo tempo . Ocasek foi fundamental para deixar o som deles muito mais “bombástico”, com as guitarras de Cuomo brilhantes e em volume brutal, soando como uma versão atualizada do Cheap Trick em que não eram mais dois caras bonitos e dois malucos, mas sim quatro nerds. Com “Pinkerton” chegaram perto, mas nunca mais igualaram o brilho desta estreia em que não houve fillers e, mesmo assim, aqueles três singles imaculados que foram “Undone-The Sweater Song”, “Buddy” brilharam como diamantes … Holly” e “Say It Ain’t So”.
Fiona Apple – “When The Pawn…” – (1999; Jon Brion)
Fiona Apple ainda não tinha completado dezenove anos quando apareceu seu primeiro álbum, “Tidal” (96) , uma obra que já nos mostrava uma maturidade incomum e um compositor extraordinário, mas que ainda era uma aproximação de sua própria sonoridade. Com “When The Pawn…” (se eu desse o título completo do álbum não haveria espaço para mais nesta crítica), a cantora encontra definitivamente a si mesma, sua voz, seu estilo, com uma ajudinha de amigos, principalmente um Jon Brion, que já havia tocado vários instrumentos em sua estreia mas aqui também assume a produção e se destaca pela rica paleta e arranjos de cordas. Esta é a sua primeira obra-prima (daqui em diante todos os seus álbuns são), combinando singles irresistíveis como “Paper Bag” e “Fast As You Can” , com músicas inesquecíveis como “On The Bound”, “Limp”, “Get Gone” ou o emocionante final com “I Know” .
The Libertines – “Up The Brackett” (2002; Mick Jones)
Os Libertines foram, basicamente, os Strokes que passaram por quarenta anos de tradição pop britânica, dos Beatles e The Kinks, ao Britpop, passando pelo punk e pela New Wave, com Mick Jones do The Clash reafirmando esses laços e atuando como produtor. Suponho que a sua principal tarefa era garantir que Pete Doherty tivesse alguns minutos de lucidez por dia e não se matar com Carl Barat nesses precisos momentos. Agora livre das bagunças sensacionalistas e dos elogios exagerados da NME de sua época, “Up The Brackett” (e sua sequência) ainda soa maravilhosamente fresco vinte anos depois. Um trabalho cheio de atitude em que a banda soa completamente caótica e refrescante. É uma bagunça maravilhosa, e você agradece a Mick Jones por deixá-los soar assim, com aquela atitude rock’n’roll, mesmo que suas músicas não fossem nada mais, nem menos, do que pequenas pílulas pop contagiosas.
Lana del Rey – “Ultraviolence” (2014; Dan Auerbach)
Lana del Rey decidiu silenciar algumas bocas com seu segundo álbum, as luxuosas produções de cordas e atmosferas cinematográficas de “ Born To Die ” (12) foi seguido por um álbum muito mais sombrio como “ Ultraviolence ”, um trabalho em que sua pessoa/personagem foi ainda mais pronunciado. Com a ajuda de Dan Auerbach do The Black Keys na produção (e guitarra), o sadcore das baladas de Lana tornou-se mais apaixonado e misterioso. Esta nova-iorquina de nascimento representou-nos novamente (para viver) a princesa da Costa Oeste americana, uma personagem indefesa e “vintage”, entre Douglas Sirk e David Lynch, sempre nos braços de um homem problemático. O álbum incluiu a maravilhosa “West Coast” , onde uma guitarra sinuosa (cortesia de Auerbach) nos presenteou com uma música que desacelerou em seu refrão de sucesso, quebrando as regras não escritas do ‘mainstream’, mais uma vez mitificando sua letra adotiva em seu letras, Califórnia e toda a sua iconografia (entre as quais, claro, devemos contar a própria Lana). Claro, houve também “S hades Of Cool”, “Brooklyn Baby”, a canção título ou a irónica “Fucked My Way Up To The Top”, onde ela mostrou que seria ela quem iria rir por último.
Lorde – “Melodrama” (2017; Jack Antonoff)
Não podemos entrar nesta lista sem o produtor de maior sucesso dos últimos tempos, Jack Antonoff, um cara que parece estar por trás de tudo, Taylor Swift , Lana del Rey (com quem gravou o essencial “ Norman Fucking Rockwell ”), St. esta segunda obra de Lorde , a melhor de toda a carreira do neozelandês. O processo de maturação desde o primeiro até este álbum é simplesmente prodigioso, com Lorde provando que é uma das melhores compositoras pop do momento e Antonoff cobrindo as músicas com os elementos necessários, seja o pop barroco de “ Writer On The Dark” , as referências a “Born To Run” (uma das favoritas de Antonoff) no piano do “Louvre” ou no piano house do essencial “Green Light” . Antonoff dirige o projeto Bleachers e foi membro do Steel Train e do FUN de breve sucesso .
Weyes Blood – “Titanic Rising” (2019; Jonathan Rado e Weyes Blood)
Jonathan Rado era metade daqueles lunáticos do pop retrô que eram Foxygen , embora também tenha se tornado um produtor fetichista analógico que triunfa entre certos tipos de mentes semelhantes, como as de Lemon Twigs (algo como os sucessores de Foxygen), Whitney , a quem produziu seu primeiro álbum, Father John Misty , com quem trabalhou em “ God’s Favorite Customer ” (18) ou, principalmente, Weyes Blood com quem colaborou nesta obra-prima intitulada “ Titanic Rising ” . Rado atua como coprodutor de uma cantora que é a grande estrela do show. Seja a grandiosa introdução de sintetizador de “A Lot’s Gonna Change” ou o som estridente da fita subjacente ao suave fade rock suave da linda “ Andromeda ” , “Titanic Rising” reinterpreta perfeitamente a fórmula pop barroca com suaves toques eletrônicos que acompanham perfeitamente Natalie. A voz sublime de Merring e suas melodias cuidadosas. Um álbum essencial.
